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　　核心阅读

　　演奏家在努力深入了解经典后，要以其独特的个人视角来丰富古典音乐的内涵，为这门艺术探索更宽广的表现可能和更深邃的精神层次

　　我们要形成一套属于自己的中国古典音乐体系，更好地与世界对话，更好地传播我们的音乐

　　古典音乐重视声音力度的对比，重视每个休止符的使用，以及有声与无声之间的美妙，欣赏古典音乐是让人享受宁静的时刻，在此过程中，我们可以真正认识自己

《“月光”奏鸣曲》第一乐章

　　“每一个音阶都不是孤立的”

　　记者：今年是作曲家贝多芬诞辰250周年，您刚刚在国家大剧院开启贝多芬钢琴独奏世界巡演。贝多芬是大众熟知的音乐家，他的作品音乐语汇丰富、风格变化多样，具有强烈的创新精神。您如何理解贝多芬的作品并进行演绎？

　　吴牧野：这次贝多芬钢琴巡演，对我来说既是荣幸，也是挑战。其实，贝多芬作品早已经在我的巡演规划之中。此前，我巡演过舒伯特、肖邦的作品，他们的风格或精致或浪漫，与之相比，贝多芬的音乐力量感十足，钢琴家需要极强的意志和能量，才能通过演奏将其冲击力展现出来。

　　贝多芬是个特别纯粹的音乐家，一生秉持崇高的艺术使命。要走进贝多芬的世界，阅读罗曼·罗兰的《贝多芬传》自不必说，小说《约翰·克里斯朵夫》以贝多芬为原型，同时更着笔于当时波澜壮阔的社会现实和细致入微的人性刻画，也是我案头常备书。

　　就像作家在写作时不仅考虑字义，还要讲究字在句子里的音乐性，钢琴演奏家也是如此。譬如贝多芬《C小调第五交响曲》，也就是大众熟知的《命运交响曲》，以“短—短—短—长”这高度浓缩的四音动机作为全曲发展的中心。这并不简单，因为它不仅将音乐的戏剧冲突发挥到极致，为动机性管弦乐创作确立典范，同时蕴含着作曲家抵抗厄运的坚强意志和决心。每一个音阶都不是孤立的，作为演奏者要深入理解音乐内涵并展现出来。

　　记者：一些音乐评论家称赞您是“原汁原味”的学院派演奏，您怎么看待“原汁原味”和个人风格之间的关系？

　　吴牧野：古典音乐起源于欧洲，可能因为我在巴黎学习、生活过很多年，更能体会那里人们的生活方式、心理状态。看一部作品纯不纯正，最重要的是细节。就像同一句话，读的时候语气不同、重音不同，表达的意思可能完全不同。

　　我觉得一首乐曲就是一个故事。如果说作曲家是故事概况和情节走向的设计者，那么演奏者就是故事中的主角，他虽然要沿着故事脉络推进，但人物性格、行为举止，包括如何与背景互动，需要演奏家自行发挥。每个音的轻重、音与音之间的空间和呼吸，都会给听众不同的感受，这就是“度”。我的老师是钢琴家雅克·胡维耶尔，他在演奏技巧和艺术思想上给我很多指导，比如小节间的呼吸、节奏的把控等等。当把老师的经验融会贯通后，还要突破它，因为要形成自己的风格。正如一千个读者心中有一千个哈姆雷特，每个人的知识结构不同、人生经历不同，对同一部音乐作品的理解也是不一样的。演奏家在努力深入了解经典后，要以其独特的个人视角来丰富古典音乐的内涵，为这门艺术探索更宽广的表现可能和更深邃的精神层次。

　　“更好地传播我们的音乐”

　　记者：通信技术的发达，缩短了人们之间的物理距离，艺术则可以进一步让人们的心灵靠近。如何用古典音乐促进不同文化间的交流和对话？

　　吴牧野：古典音乐是全人类共同的财富，文明交流是互相借鉴、互相学习的过程。比如亚历山大·塔霍是法国著名钢琴家，但他的技巧概念得益于俄罗斯钢琴家格里戈里·索科洛夫。

　　我创作的钢琴曲《缘》，中国朋友认为是中国音乐，法国朋友认为是法国音乐，这让我觉得很有意思。西方优美的诗歌能震撼我们，中文世界的唐诗宋词翻译到国外同样能够感动外国人。就像中国画和西方有的画派，无论技法表现还是绘画理念，都有共通之处。

　　近些年，世界舞台上出现不少有影响力的中国钢琴家，在中国学习钢琴的人很多，但我们迫切需要形成一套中国自己的古典音乐体系，更好地传播我们的音乐。这不是说把几部中国钢琴曲汇集起来就可以了，而是需要众多艺术家、音乐人勠力同心，一起努力。

　　“音乐最大魅力是感受当下”

　　记者：很多人认为古典音乐门槛太高，很难听懂，所以敬而远之。怎样让更多人走近古典音乐？

　　吴牧野：音乐演出需要听众才完整，我希望让听众感受到，他们是被邀请来的，我不愿意台上台下有道无形的墙。这次贝多芬巡演的曲目，我整整思考了一年，选择了几首知名度比较高的曲子。比如《C小调“悲怆”奏鸣曲》第三乐章的“回旋曲”，这首曲子从面世以来就非常流行，是众多影视剧的背景音乐，也被许多音乐类游戏收录。我希望不熟悉古典音乐的观众能恍然大悟：原来经常听到的这段旋律来自贝多芬。从而以此为契机，走近古典音乐。

　　音乐是感性的，演奏则需要具有科学精神。比如声音是震动而成，发出振动波，演奏者要了解物理学，懂得声音如何变化、怎样传播。当振动波被听众接收后，会给人们带来哪些感受，这又涉及心理学。一场演奏会的出场、亮相，演出时每一章节的停顿，曲子与曲子之间的空隙，这些细节会极大影响演出效果。观众看到钢琴家的演奏举重若轻、毫不费力，实际上是经过无数的尝试、彩排才能达成的。

　　与钢琴直接接触的是手，但手只是第一关节，还有手腕、肘、肩膀，甚至脊椎，人的整个身体都要与眼前的乐器、弹奏的乐曲相融合。在练琴时，很多老师强调基本功，其实这个基本功就是前人在大量实践中摸索出来的、能够让身体在演出时达到最佳状态的一种训练。刚入门的学生很难感受到基本功的作用，只会觉得它繁琐异常，但随着难度逐渐增加，就会发现基本功越扎实，演奏越得心应手。我在练琴之余，会进行身体的训练，以更好地激活并控制每一块与弹琴相关的肌肉。

　　我非常喜欢机械。钢琴可以看作是一个巨大的机器，需要强大的科学技术去驾驭。钢琴的前身是古钢琴。古钢琴与现代钢琴的内部原理大致相同，但二者的发声方式有所不同。18世纪初，欧洲大陆音乐迅速发展，音量弱小的拨弦古钢琴已不能满足当时音乐家的需要，改以弦槌击弦发音。具有强弱音变化的现代钢琴发明出来后，琴声更富有表现力。贝多芬正处于古钢琴和现代钢琴的交界之处，人们能明显感受到他的《F小调“热情”奏鸣曲》，音响层次更加丰富，这与当时演奏乐器的变化紧密相关。

　　记者：随着科技的发展，当前人们的文化生活极大丰富，音乐特别是古典音乐不可取代的魅力是什么？

　　吴牧野：音乐蕴含丰富、包罗万象。人人都有创造、欣赏、分享音乐的能力，不一定非得演奏乐器，哼唱一小段旋律也可以。这是非常正向的力量，而且一点都不昂贵。

　　音乐最大魅力是感受当下。认真欣赏一首古典音乐作品可能要连续30分钟的专注。听众和演奏者共同经历一场音乐之旅所收获的，最后会转化成内在的精神力量。古典音乐重视声音力度的对比、重视寂静、重视每个休止符的使用。在喧嚣的当代生活中，让人得以享受片刻宁静，在此过程中，我们可以真正认识自己。

　　（文中图片及音频均来源于“国家大剧院”微信公号，如有侵权，请联系删除）

　　（作者：吴牧野，钢琴演奏家；任飞帆，《人民日报》记者）

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