【内容摘要】 本文将从三方面讨论2022年中国美术的年度问题。第一，多方参与共同建构话语平台，以不同城市举办的国际美术双年展为例，讨论大众与精英的话语消长；第二，主题性美术创作中的新时代精神，以第7届全国青年美术作品展览和第15届全军美术作品展览为例，讨论主题与时代的联动关系；第三，艺术与科技深度融合的学科定位，以教育部新增本科专业名录及各地实施情况为例，讨论系统设置中的序列与依存。所论三者，无一不处于变动之中，并让我们看到动之根本，在于场域的境况。2022年中国美术正处在当代转型的关键时期，优化生态系统，共情共创，是一种解决的方式，而到后疫情时代，也许还会再次面临个体性问题的挑战。
【关 键 词】 2022年美术 话语平台 时代性 艺术与科技 共情与共创
经历2022年，更加能深刻体会到什么是人类的共同命运，如何去构建人类命运共同体。开放与封闭、全球化与逆全球化，看似矛盾对立，实则相互依存。这不仅在政治经济领域如此，文化艺术领域同样如此。因为抗疫防疫、动态清零、社会推行网格化管理，个体行踪及相关信息均在数字化世界里尽显无遗。我与他人，因为疫情变得如此息息相关。在2022年，任何人都不可能孤立存在，任何事都不可能独立进行，群体性强于个体性。
群体与个体，既对立又关联，发生冲突的同时亟需协调。对应与和谐，是协同创新和共融发展的必然要求，整一性的需求导向了结构性的变化，体现在各种组织方式与话语的传播形态，并在技术性问题上强化了这一趋向。
2022年中国的美术创作活动，大都在各种类型的展览中呈现，而展览的组织又高度统一，即以中国美术家协会(以下简称“中国美协”)系统为主导，以国家艺术基金为支持，联络各个省区市，联系各个艺术群体及个人，以点带面，花落八方。其实，这不仅是“自上而下”的组织引领，也存在着“自下而上”的文化需求，实现双向互动、能量互补。如同热力学中的“熵”与“焓”，二者都是状态函数，不过“焓”表示能量状态，而“熵”表示混合或混乱状态。熵的增值，取决于所吸收(或耗散)的热量与其绝对温度之比。在同一系统中，温度有温差，流向有势差，由高至低是常势。一旦内部的能量(如热能)出现逆差，热量也会从低势区传向高势区。至于怎么理解“熵”的状态？文化上可视为混搭，即联手合作，共建平台。
混搭：共建话语平台
疫情期间，“逆行者”成为出现频率颇高的词，逆向而动在文化活动中也反复出现，甚至促进了艺术创作，成为“创新”的切入口。作为地方的文化组织或群体，都希望借助更大的平台扩大影响，利用平台的势能差异，进行能量互补。美术展览活动的能量，一方面在于优秀艺术家的参与，另一方面在于财政的大力支持，且“三军未动，粮草先行”。在当前经济形势下，民间资本介入美术活动不似往年那般火爆，不少展览活动举办，除了国家财政补贴外，调动地方财政是一重要因素。地方财政对美术展览支持的力度越大，就能搭建更高的文化传播平台，就能吸引更多的优秀艺术家参与，也能提升地方的文化形象，推出相关的文化品牌。对此，以城市为中心开展的双年展活动，成为2022年醒目的年度现象。
开年之际，第九届中国北京国际美术双年展(以下简称“第九届北京双年展”)在中国美术馆开幕，主办方是中国文联、北京市人民政府及中国美协。北京是中国首都，与其他国内城市不同，代表性不一样，在世界文化格局中理应占有一席之地。展览报经国务院批准立项后，即成为国家资助的重大文化建设项目。国际双年展强调“无国家区分”，策展团队人员身份多元，关注当代问题，视野开放、文化混搭、无边际设定、跨区域交流，是其一大特色。而所谓城市存在的意义，仅在于其链接作用，成为文化枢纽或组织平台。第九届北京双年展展出了117个国家和地区近600位美术家的707件(组)作品，围绕“生命之光”主题，宣扬北京冬奥精神与伟大抗疫精神，其核心词就是“共情”与“共创”，回避文化的差异性，在生命与运动的主题上寻求共同的话语。如来自冰岛的西比拉•比亚纳森，他的作品标题是一句口号：“更快、更高、更强——更团结”。清华大学教授代大权也认为，这届展览的架上作品，体现了“更干净、更人性、更团结”的奥运精神，也让人看到人类与自然、个人与社会、精神与体魄和谐发展的主题。
西比拉•比亚纳森《更快、更高、更强——更团结》2021年 布面丙烯、树脂、发光物（来源：“中国北京国际美术双年展”微信公号）
时近岁末，“艺以通衢——2022武汉双年展”在新建成的武汉美术馆(琴台馆)开幕。这是一个跨年展，采取“一地三馆”(武汉美术馆琴台馆、武汉美术馆汉口馆、合美术馆)的共展模式，时间从2022年12月28日至2023年5月31日，作品涉及绘画、雕塑、影像装置艺术、新媒体艺术、科技艺术以及艺术设计等，包括285位中外艺术家及团队。展览设置了五个专题：文化样态、城市形态、创新动态、绿色生态、开放姿态，共展出446件(组)作品。其中有不少互动作品，如林文财利用感应器构筑的装置《身体花园(透明的狩猎场)》，由ANOBO世界团队打造、儿童与艺术家联合完成的雷达交互装置作品《武汉之水见世界》，宋冬的沉浸式装置《世界》，尹秀珍的综合材料装置《缓释》等，都可以让观者进入作品，随机生成并扩展作品的意义内涵。本次展览的游戏性质较为突出，作品大都很接地气、亲近大众。在组织架构上，又以中国美协主席、副主席为主策展人的身份拉开距离，还有二十多人的策展团队，其阵容可观。据记者报道，“随着2022武汉双年展的开幕，武汉文化旅游冬季消费季活动也由此正式启动。2022年12月28日至2023年3月31日，武汉市将筹集5000余万财政专项补贴资金，以‘冬游英雄城，再燃烟火气’为主题，推出5大板块100余项冬季文旅产品”，颇有后疫情时代的浪漫情怀。
ANOBO世界团队《武汉之水见世界》（展项）装置 尺寸可变 2022年（图片来源于网络）
“共生世界——2022济南国际双年展”经过15个月的策划与筹备，原计划在2022年12月开幕，因为疫情延至2023年1月7日，也成了跨年展。该展主题——“共生世界”，几乎就是这一时代的主题，由此延伸了五个相关的维度：当代与传统共生、人与自然共生、地域与世界共生、现实与虚拟共生、艺术与科技共生。此展汇集世界22个国家和地区的272件作品，设两个主展区(山东美术馆、济南美术馆)，并在高校、文创园区、民营美术馆、社区美术馆等联合举办平行展，形成多方参与、多元互动的话语平台。中国文联副主席、中央文史研究馆副馆长、中国美协名誉主席冯远担任总策展人，他在展览前言中提到，这一展览“既不是套裁西方艺术评判标准和话语体系的所谓‘国际化’，也不是侧重于中华文化场域之中继承创新的本土化双年展，而是一个立足于世界文化多样化背景中的当代中国艺术话题”，其延续和拓展了办展之初的“和动力”理念。
与此相应，也是岁末推出的另一个跨年展——2022年首届北京艺术双年展，其更具有城市的人文气息，展期从2022年12月30日至2023年3月12日。该展也是采取“一地三馆”(国家对外文化贸易基地、北京友谊商店、木木美术馆钱粮胡同馆)共展模式，汇聚全球五十余家画廊、艺术机构，来自20个国家和地区的240位艺术家，共三百九十多件作品。展区分七个版块，分别由各专业策展人策划，共同阐释“共生”主题，如“时间共生”与“空间共生”。据记者报道，这一双年展旨在思考三大问题：一是后疫情时代构建人类命运共同体，二是阐释人类文明与自然生态的和谐共存，三是数字科技与创意设计融合发展的新理念。展览目的是打造具有国际影响力的北京城市名片，集聚北京文化创意产业，产生协同作用和溢出效益，引领京津冀地区艺术产业发展。其主办方为北京市文化投资发展集团，同时展览也是在北京市委宣传部的指导与支持下进行，并邀请了在京的各个专业学院院长、组织艺术委员会。中央美术学院院长、中国美协主席范迪安，文化和旅游部产业发展司司长缪沐阳等出席了开幕式。
讨论展览主办方的社会身份、策展团队成员与策划思路，以及展览的组织方式，这些属于艺术存在的社会化问题，让我们从话语平台的构建，看到话语传播的质量及影响力问题。话语平台越高，信息流动的势能就越强。高平台需要高规格的仪式，仪式又需要相关的身份话语介入，如主持人、策展人、地方行政领导人的身份话语，由此形成话语的综合性与多向性流动，产生更大的新闻效应。
杂糅和混搭，不是空洞的概念，其为2022年中国的双年展带来的变化，笔者以为最重要的是将文化的多样性落到实处，将公众参与和联动效应结合起来。预设的展览主题和临时的主体介入，在场域空间中可以自由穿梭。这不仅考验着作品自身结构的开放度，也测试着展场整体语境的包容度。社会媒体善于制造热点，将展览转换为一个公共事件，提升关注度，各种话语不断进入，让现场活跃。纵观有关展览的报道铺天盖地，无不充满感性的话语。可见，大众的参与是首位的，阻碍大众阅读的专业话语会被删减，由此必然缺乏深度问题的讨论。一般双年展会让专业人员参与策展，参与作品的评审，也会让记者采访，但不开研讨会，就是小范围的专业圈内的研讨会，所论者多是随感式的即兴发言。
在双年展的组织方式上，2022年继续沿用中国美协与地方政府联办的模式。如“第十届中国•嘉兴国际漫画双年展”(2022年12月15日开幕)，有44个国家和地区的漫画家参与，收到应征作品2990件；“互联与发展——2022•第三届深圳大芬国际油画双年展”(2022年12月28日开幕)，有49个国家和地区的油画家参与，收到应征作品6539件。
作为地方的文化品牌建设，需要有向外辐射的影响力，而双年展的国际化趋势，必然促使地方政府寻找更有力也更有经验的专业机构。中国美协双年展办公室被调动起来，他们有经验也有学术资源，能迅速地提升展览及相关城市的国际知名度，达到事半功倍的效果。在深圳，主办方提出“蓄水池”的办展理念，就是对外吸收能量，互动互融，提升城市文化水平，形成多元文化的聚光之地。不过虽说是国际展，国内的参展者还是占多数，质量相对也高。尤其是“油画”这一品类，因为大芬村的缘故，还是吸引了不少画家，主要以青年为主。在画风及绘画语言上，国内外沟通不存在任何障碍，一样的写实，一样的流行各种表现的趣味。在嘉兴，以“生命•未来”为主题，强调文化的多样性及当代表达，出现了数字艺术作品。这是有一段时间沉积的展览，十届20年，几乎与21世纪同行，参与者近万名，在国际漫画界已形成具有一定知名度的创新交流平台。展览主题与当下世界的生存境遇高度契合，回应了当前的生态环境问题、能源危机问题、人类健康问题、地球未来问题、战争与和平问题等。大家对问题的理解有趋同点、也有差异性，如视角差异、社会背景差异、艺术语言的文化差异等，正是这些构成了展览的多样化。
聚焦：新时代的脉动
2022年全国性大型展览活动不多，主要有“第7届全国青年美术作品展览”与“庆祝中国人民解放军建军95周年全国美术作品展览暨第15届全军美术作品展览”。前者由中国文联、中华全国青年联合会及中国美协联合主办，后者由文化和旅游部艺术司、中央军委政治工作部宣传局及中国美协联合主办。主办方不仅意味着展览的规格，同时也引导着作品的选题方向，让作者考虑“表现什么”，如何选择创作的题材并确认创作主题。
全国青年美展的主办方有中华全国青年联合会，参展作者限制在45岁以下，强调表现青年美术特性。什么是“青年美术特性”？没有具体说明，也不涉及具体的题材与主题，留给作者自行选择的空间。不过，“青年美术”已构成一个系统性的对焦。对于作者，“青年”是最具有活力的人生阶段，思维敏捷、想象丰富、精力充沛、心智成熟、情感细腻，洋溢着一片生机；对于创作，前述主体的所有特性都会转换为相应的元素进入不同的创作阶段，促成“青年美术”的整体面貌。年龄，是历史时间长河的截面。不同年龄作者的作品，对时代的折射率有所不同。与少儿美术相比，与中老年艺术家相比，“青年美术”最贴近时代，直接反映着时代文化的脉动，因而也最具有创造精神。没有创新性，何谈时代问题？没有时代性，创新的意义又何在？对“青年美术”的期待，就是“开一代新风”。全国青年美展三年一届，三年的时间不足以构成一个时代，但从2012年党的十八大召开到2022年中国文联文艺评论中心召开，已经十年。十年可谓一代，“新时代”的概念也推出了。
有关时代性问题，如“大历史观”“大时代观”，是否就是新时代的要求？如何以小见大，正是难点所在。造型艺术作品的视角有限，且以形象塑造见长，作者往往回到现实生活中，取其一点，透视其他。有关专家对此说得比较具体，即“重视人民形象的塑造，重视现实生活、百姓生活的表达，尤其重视青年自己的生活表达”。
塑造人民形象，是20世纪50年代以来持续不断的话题，这届青年美展也有较为突出的作品，如沈晓明的中国画《七月骄阳》，表现的就是一群年轻的城市农民工在工地休息时吃西瓜的场景。画中人物形象各异，但精神面貌非常一致，阳光开朗、积极向上。沈晓明说他前后共15次买了西瓜到工地，请那些工人吃，工人一边吃，他一边观察。黄骏的中国画《我的矿工朋友》是四人肖像的系列组合，人物视线与观者对视。显然，作者采取的是对话的方式，或者说是心灵对话，标题以第一人称说明了这点，而画面上墨迹斑斑，也强化了这点。张雅君的中国画《知》，画面的主体是书与书架，而并非是人，表现了青年大学生自己的生活。王艺璇的中国画《美丽的安海桥》，虽题材简单、随处可见，但画面却很美，用色别致、语言清新，其青春气息洋溢于形色之间。作为大历史观的形象表述，可见林军的版画《见证—速度》。作品从蒸汽机车到和谐号、复兴号动车，举出三大历史物证，跨越时空限制，以象征性的语言，以“速度”与“空间”为关键词，表现了新时代发展的特征。内蒙古艺术家金钢的木雕《同唱一首歌》，有着浓郁的生活气息，形象同中存异，颇为耐看，且主题聚焦，与新时代的主旋律十分合拍。无论如何，这届青年美展还是有不少微叙事作品，依然反映着这一时代艺术的普遍现象。
王艺璇《美丽的安海桥》纸本彩墨 155cm×190cm 2021年
林军《见证—速度》版画 150cm×105cm 2021年
金钢《同唱一首歌》雕塑200cm×50cm×130cm 2021年
艺术表现时代精神，而精神是内在的，其贯穿并渗透在现实中的每一处细节，而艺术家就是发现与体会。会，是会通，与现实交会，与时代贯通。
第15届全军美展参展作品以军事题材为主，前后分四个历史阶段，最后一段为新时代。其作者不限于军队，地方艺术家也可参与。军事题材的美术创作时代性很强。不论表现现实还是复现历史，都存在着现实政治的诉求，同时以现实主义美术创作方法为基础，以写实手法为主，强调真实性。
讨论军事题材美术创作的时代性，主题为先，而作品的气息则是总体评价，与主体关系及艺术表达更为紧密。同一题材在不同时期表现不一，因为时代在变化，作者的理解角度变了，阐释的方法变了，确定的主题也随之变化。因此，对于历史题材美术创作，应关注其主体视角及相关的主题变化；对于现实题材美术创作，应关注其创作现场及相关的主题确认。本届全军美展，集中呈现了“强军”“信念”与“卫国”三大主题。进入新时代，国际形势益发严峻，军人的责任担当愈发沉重。边界争端不断出现，国防问题突出。“边防巡逻”是一大题材，如黄芸的油画《海防线》、杨斌的油画《青春洒在边防线》、丁毅的水彩画《边疆卫士——巡防皮斯岭》、饶毅军的中国画《铜墙铁壁》等，还有康中源的油画《最后一次巡逻》，画中战士与“界碑”依依不舍。界碑，成为边防战士的精神象征。何永兴的油画《昆仑赤子》是大尺幅作品，所画的边防军人头像，也成为一种象征，但有叙事的成分。如脸上被冻坏的皮肤层层裂开，每一细节都在叙述一段故事。那种血肉之痛让人感同身受，一种精神性油然而生。许向群谈到这届全军美展时说：“‘牺牲’和‘奉献’集中体现了军事题材美术的美学特殊性。”展览中，历史题材的叙事性作品不太突出，一些象征性作品颇有创意，如孙影的中国画《最可爱的人》、李传康的版画《光荣花》等。最值得关注的是“两代人”主题，这在之前的军展中似乎没那么突出。如马荣的版画《军魂之一》运用的是象征手法，表现了同一时空中两代军人的形象，其着装不一，视线各异，相依相靠。作为父辈，满脸沧桑，胸前挂满勋章；作为后辈，手持钢枪，戎装上阵，两人刚毅的品质与坚定的信念浑然一体。又如段澄的雕塑《参军日记——我与祖国的约定》，运用的是叙事手法，在同一时空中还是两代军人，显然是父送儿郎去参军。父亲的手势与儿子挺拔的身姿，让一切都在不言之中。还有一件“两代人”主题作品，即肖伯红的中国画《那一抹红永不褪色》。这是左右并置的两幅画，分上下篇通幅构成，叙述两代中国军人的战斗故事，其中一抹红色贯通，意味着共产党人的革命精神。两个画面中的人物之间没有亲缘关系，但时空关系变了，武器装备变了，战斗制服也变了，接续而存在着的就是那红色的基因。
何永兴《昆仑赤子》布面油画240cm×200cm 2022年
马荣《军魂之一》版画 105cm×74cm 2021年
段澄《参军日记——我与祖国的约定》雕塑86cm×40cm×47cm 2022年
肖伯红《那一抹红永不褪色》纸本水墨192cm×187cm 2022年
“两代人”的主题为什么引发关注？因为这是近十年中国社会普遍存在的“代续”问题。20世纪90年代美术批评界有人提出“新生代”的概念，指60年代生人，通称“60后”。后来又有“代沟”一说，以为十年一变，隔代有了距离，不易沟通，直至“00后”出现。代际之间的自然转换本无可非议，可涉及到艺术观念，值得讨论的问题就多了。如属于“50后”的知青一代，有社会担当与批判精神。“60后”的生活经历不同，关注自我，知道如何规划人生。这些都反映在他们的艺术上，如何取材、如何表现，二者渐次拉开距离。近十年，“50后”渐次退休，“60后”也陆续到了退休年龄，“70后”接手，各行各业的“代续”问题又冒出来了。在军队美术创作中，“代续”问题不存在于艺术本身，而是反映在题材与主题的表达上，如“红色基因”必须一代代传承，革命意志必须坚定不移。
以十年为限，宣传党的十八大以来“新时代”的建设成就，成为2022年各省市自治区美术创作的一个重要主题。比如“中国道路•美好生活——全国美术作品展览”由中国美协、浙江省文联、中共嘉兴市委及嘉兴市人民政府联合主办，其征稿主题是“延续红色基因，凝聚精神，迎接中国文联文艺评论中心胜利召开”。由上海市文化和旅游局、上海市文学艺术界联合会及解放日报社组织策划的“十年•海上风华——庆祝中国文联文艺评论中心胜利召开上海美术作品展”，以上海重大主题性创作项目为主，共开辟了五大版块：(1)序曲；(2)人民城市；(3)开路先锋；(4)创新之城；(5)海纳百川。广东省文化和旅游厅、广东省文学艺术界联合会联合主办的“广东喜迎中国文联文艺评论中心美术作品展”，主题是“岭南新气象”，强调“尽精微、致广大”。云南省文联主办的“云南省喜迎中国文联文艺评论中心胜利召开美术书法摄影作品展”，主题是“云南这十年”，展现其“盛世华章”。林林总总，展览大主题还是“中国道路”与“美好生活”。
合力：建立联动机制
首届北京艺术与科技双年展(BATB)海报
科技与艺术的结合，可以催生新的艺术门类，重组艺术的生态环境，启发我们的创新思维。2022年10月28日，首届北京艺术与科技双年展 (BATB)在798CUBE美术馆开幕。展览以“合成生态”(Synthetic Ecology)为主题，“合成”只是隐喻，“重塑”才是目的。展览邀请了全球50位艺术家、科学家和生态学家，利用各种不同的技术手段，如生物技术、材料科学和数字制造技术，讨论人类共同面对的生存危机，作品极具反思性。本次双年展总策划宋协伟谈到：“双年展旨在汇聚来自艺术界、科学界、教育界、产业界的多维能量，在更广泛的领域推动艺术与科技的融合与创新，为798创造跨越学科、激发创造、塑造思想、引领未来的全新文化生态。”展览分三个部分：(1)激变的自然；(2)缠绕的生命；(3)交织的演化。展厅内有影像、有装置、有雕塑、有行为艺术、有声光电及其他技术手段综合而成的视觉作品。如爱尔兰都柏林科学美术馆(Science Gallery Dublin)馆长亚历山德拉•黛西•金斯堡(Alexandra Daisy Ginsburg)的《火星野生化》，美国的苏珊妮•安克尔(Suzanne Anker)的《虚空画(置于培养皿中)》，德国的拉尔夫•贝克尔(Ralf Baecker)的《网络的自然历史》，德国的里米尼(Rimin)系统记录的影像档案作品《双赢》等。
苏珊妮•安克尔(Suzanne Anker)《虚空画（置于培养皿中）》综合材料 2016年（图片来源：中央美院艺讯网/摄影：刘金龙）
谈论全球的生态问题，不局限在人类社会的范畴，而包括整个自然界，同时还会深入到生物的微观世界，观察并思考不同物种之间的生存关系。这种观察需要新的技术手段介入，才能打开新的视野。地球的生态系统是复杂的，生物之间的联系又十分紧密，而不少环节则为人类所忽略。艺术家的视觉敏感及对生动性问题的兴趣，也会促进其他技术领域的专家共同考虑重塑自然的可能性。重塑，是新的介入方式，其可行性问题又会激发科学家的研究热情。至于展览提出的“检视后人类的生态想象”，笔者以为此之“后”，是“超”的含义，即去人类社会的中心化地位，在尊重自然原生态的基础上，从系统论的角度植入“生长”与“制造”的概念。“制造”是人工的，而“生长”既可以是自然的也可以是人工的。对于自然而言，人工是异质的，但自然界不同品类的物种也存在异质性问题。对于异质物质，不是接纳就是排斥，或部分或全部，形成各种交错状态，诉说着种种故事。对此，科学是揭秘，艺术是表达，而数字技术可以不露痕迹地将科学的探索转化为可观赏的形态，甚至营造出全新的生态观。其中，充满着人的想象。生态系统有着相互依存的关系，也总在不停地流转。介入与混杂，有时破坏，有时却又再造。
对于自然界，艺术与科技都属于具有干预性质的再造系统。在当代艺术的世界里，科技不仅是手段，同时也可以借助材料以技术构成一种新的话语。这类实验性的艺术实践已持续多年，特别是在装置艺术与数字艺术方面，国内外均有不少有影响的作品。
近十年，“艺术与科技”作为一门新增专业开始深度介入艺术创作领域。2012年“艺术与科技”列入教育部的学科目录，至2019年，全国有34所高校开办“艺术与科技”专业，包括中央美术学院，均列在“设计学”名下。中央美术学院“艺术与科技”专业研究生教学又设置了四个子研究方向：机器人科技与艺术、智能科技与设计研究、生物科技设计、新兴社会媒体科技艺术；同时，确立三大课题体系：生命与生态、参与式文化与社会空间叙事、未来科技伦理，由此构成学科整体布局，以此培养学生跨学科思维能力及创新能力。
2021年12月10日，教育部公布《列入普通高等学校本科专业目录的新专业名单》，又新出现“科技艺术”专业，学科代码是130412TK，由中央美术学院实验艺术学院申报获批，列在“美术学”名下。至2022年8月8日，教育部又公示了《2022年度普通高等学校本科专业申报材料》，其中获批“科技艺术”新增专业的学校还有广州美术学院、天津美术学院及海口经济学院。同年10月，中央美术学院实验艺术学院正式更名为“中央美术学院实验艺术与科技艺术学院”。
之所以列举这些资料，是想澄清两个问题，即这几个相关专业的名称及其学科归属，在高等美术教育学科体系中的关系如何？作为新增专业，应该有其自身的学术定位，在艺术与科技跨界融合的时代背景下，其学术发展的整体趋向如何？
之前的“艺术与科技”和后来的“科技艺术”，分别属于“设计学”与“美术学”。根据2022年9月教育部发布的新版学科专业目录，“科技艺术”应该还得划分到“美术”。至于“艺术与科技”，则应划分到交叉学科中的“设计学”(可授工学、艺术学学位)。以邱志杰的说法，“科技艺术(sci-tech arts)”就是“科技性的艺术。它归根结底还是艺术，它是用各种手段来做艺术”。可如何定义“艺术”？什么是艺术的本体？在当代人类社会，艺术的意涵变化太大了，本体性问题都被抽离了。只是谈论艺术问题时，有一点很明确，就是作为人的主体存在，离开人，不谈艺术。可人也只是“在场”的概念，因为人对物的客观性认识也发生了变化。物，可以成为在场的主体，意义自行生发的主体，可缺乏场域，缺乏人的观照，主体也不成立。在科技系统中，人与物的关系同样如此。当艺术遇到科技时，人与物的关系又会发生变化。艺术创作中“材料”的概念被“媒介”所取代，传统审美中的“意义”概念被“信息”所取代。媒介所牵涉到的不仅是材料的品质及其功能问题，重要的是彰显了材料与相关技术在传递信息方面的特异性。信息是无形的，发送与接受信息，其渠道和方式已远远超出人的身体自身，要借助科技的力量。科技介入艺术活动，就不再停留在工具层面，如同当代艺术中对物性的理解，科技本身也能成为本体性的存在。问题在于我们怎么理解“艺术”。如果不局限于主体性或本体性解释，不纠缠于词语的偏正结构，“科技艺术”的阐释空间确实非常大。
“艺术与科技”是双主体并置的关系式，适合交叉学科的结构模式，且在设计学领域，主体的设计理念主导着艺术实践。这种观念为先、创意为先，又注重实际效用，特别是通过复制进入传播网络的生产方式，十分符合当代社会文化的存在状态与当代人的审美状态。比如数字艺术，亦称“新媒体艺术”，其“新”之意，就是要不断地“出新”，加快各种媒介的代际替变。而多媒介共存，其性质就是“跨媒介”。“跨媒介艺术”在2022年新增本科目录中又被天津美术学院、河北传媒学院、河北美术学院申报为新增本科专业，学科代码为130408TK。作为专业名称，“艺术与科技”确实存在着许多不确定性及衍生性，才导致2022年的新增专业目录出现多项并置的现象。
浙江大学在2021年教育部新增专业目录出来后，才在艺术与考古学院增设“艺术与科技”专业，其总体思路是“设计艺术与人文知识体系”＋“科学与技术知识体系”，偏向设计学科。在传统的设计专业方向基础上，开辟新的研究方向，提出“信息与交互设计、空间与展示设计、媒介与艺术设计三大专业模块，每个模块下均设置专业工作(实验)室”，“进行整体设计思维训练”，让学生“了解设计交叉研究的工作方法，掌握设计服务背后的技术手段，提出设计解决方案，关注技术进步和美感价值创造”。其研究方向包括设计心理学、信息设计技术与方法、现代空间展示技术、设计社会学、智能设计方法、创新设计思维与认知等。2022年广州美术学院报批新增本科专业“科技艺术”，但在2023年的招生简章中出现的还是“艺术与科技”，且纳入“视觉艺术设计学院”专业版块。天津美术学院2022年同样报批“科技艺术”新增专业，但在2022年和2023年本科招生简章中，都没有出现“科技艺术”或“艺术与科技”的专业名称，依然使用“视觉传达设计”“数字媒体艺术”“公共艺术”等更为具体的专业称谓，归属设计学科。
21世纪是大设计时代，其主要的带动力量就是数字技术与互联网，还有生物工程与量子技术。多学科交叉与融合，打破专业壁垒，关注当代社会发展的前沿问题，是艺术与科技的专业特质，也是今后艺术发展的总体趋势。而我们在讨论专业或学科概念时，还要注意另一个发展的趋向，即学科或专业概念的边界也在逐渐消解，本体性或本质性被逐渐忽略。二者相辅相成，任何实验性或创新性的艺术活动，都难以回避。在许多具体实践中，艺术往往只留有一个概念的空壳，只是名而已，不具有实际意义。所谓的“多”，就是“合”；所谓的“跨”，也是“合”。合，难免无序，看似混乱，因为相互间有牵扯，牵扯得越多越混乱，如新增的专业概念一样。乱不是问题，可以共生，也可以共创，只是需要一个实践的过程，在各种变化中调整关系，形成大同的艺术世界。
结语：优化生态系统
受疫情影响，2022年取消了不少美术活动，美术展览、美术研究及美术教育等交流与互动活动大多转向云端，在线上进行。这是2022年中国美术的整体生态环境，不得不让人考虑到网络系统的联动问题，以及在现实生活中与美术活动相关的组织效力问题。优化系统，是当前一项紧迫的事。
在社会文化传播平台上，熵的增与减同时存在，热度与能量的关系也时时在发生着变化，专业性与非专业性都是相对的。艺术，实际上就是以游戏的方式愉悦自身，以话语的方式相互取悦。艺术与艺术话语，都讲究体验。体验是感性的而不在于观念。关键词或主题词，只是引发思路，增强人的体验而已。体验，才是艺术活动的本源。2022年，社会将艺术体验的权利还给大众，当代艺术家也将体验的快乐分享给大众。艺术在社会发生的效力，通过话语交流平台，通过各种社会组织的活动，通过相关的话语系统，形成高密度、高强度的信息流。艺术的沉浸式体验，也不是以往艺术家独处的模式，而是演变为大众狂欢的事件，让大众共同参与，同时还保留着个体在预设的语境中能够与外界对话，也可以与自我对话。多向多元的互动环境，以“场域”的概念推出，“设计”无孔不入。比如，话语平台，是一种设计；交流主题，是一种设定；主体在场，需要特定的空间；跨界融合，需要特定的中介。即便是独来独往，也都是有条件的。条件，是系统设置的一个逻辑前提，而设计是一项整体的考虑。
由此而见，2022年确实是当代中国艺术转型中的重要环节。社会生态成了艺术发展的首要因素，原因是艺术形式的本体性问题正被忽略。所谓形式的本体性，就是从形态生成的内部结构出发，探究其语言符号的意义系统。外在形式或形态的改变，由其内部结构及语言系统的变化而导致。就形式而言，结构很重要；就语言而言，系统很重要。形式有两重性，即内与外，内形式具有形而上的本体意义，外形式具有形而下的形态意义。形式内部的结构关系调整与变化，与形式的质变有关，而质变直接联动的是一套相应的处理材料的技术系统，并形成相关话语。
话语形态变化多端，随着不同语境转换其意义指向，同时利用语境形成话语的网络系统。人们只有进入这一系统，才能捕捉意义的走向。此时，什么被悬置了？作为“物”而存在的结构形式。什么最活跃？作为话语的符号系统。过去，我们关注作品的形式结构，以此分析其意义生成的状态；现在，我们关注作品的语言环境，以此讨论眼前“物”在场的理由。存在(being)不再局限于人，同时也在“物”，在于人与物的关系。作为艺术而存在的“物”，可以是独立的作品，也可以是自然物品，或通过其他技术手段生产(含批量生产)的制品。生态，即事物生成的环境，是存在的唯一理由。脱离生态，无所谓形态。
2022年的国际双年展为什么成为年度热点？面对新时代，主题性创作如何体现时代精神？当艺术与科技深度融合时，我们为什么难以把握其学科立场？也许，共情与共创才是比较贴切的回答。可这也只是说明一种现存的艺术状态，与生态有关，与形态也有关。进入后疫情时代，这种状况是否还会发生变化？个体与主体的关系如何进一步调整，尚不得而知，但系统性的处理方法在数字时代必然继续存在，语境及生态问题还会被继续关注。
作者：郑工 单位：广州美术学院美术学研究中心
《中国文艺评论》2023年第3期（总第90期）
责任编辑：王朝鹤
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