编者按：

　　伴随着西学东渐，水彩画与中国社会文化相融相生，经过几代艺术家的努力，已形成中国水彩画的独特面貌。无论是厚重的历史题材，丰富的现实题材，还是诗意抒情，水彩画都以其精湛的技法、材料的性能以及审美的多元而展示着魅力。一批一批优秀的水彩画家为时代绘就了一幅幅美丽图卷，成为历史的、美的记录。

　　近日，中国美协水彩画艺委会主办的“中国美术家协会水彩画艺术委员会年度提名展2018”、“风生水起——当代中国水彩画作品展”相继开幕，展览中老一辈艺术家功底深厚，彰显了中国水彩画艺术的高峰之作；青年水彩画家思维敏锐，视角独特，展览中的不同表现方式显示出勃勃生机和创新活力。

　　在“中国美术家协会水彩画艺术委员会年度提名展2018”展览学术交流会上，黄铁山、殷双喜分别从艺术家、理论家的角度畅谈当下中国水彩创作生态，本期殷双喜的发言，希望能引起读者对中国水彩历史、现状和未来的关注。

视野与题材的双向拓展

　　○提升自我修养，提高作品含金量；

　　○与绘画交流，是对艺术最大的尊重；

　　○画家要敢下刀子，给作品整容。

　　当下的中国水彩画迎来了大好的时期，从环境、组织、制度各方面，可以说是坚冰已经打破，道路已经畅通，就看我们怎么样去前行。现在的水彩创作有两点十分重要。

　　第一点就是视野的拓展。一个真正的艺术家，不管油画、版画，还是其他的画种，只要是优秀的作品都会用浓厚的兴趣去欣赏它。我国早期的美术教育中，像国立北平艺专、杭州艺专，学生进校，油画、国画都是要学的，只是比重不同。吴冠中、赵无极在回忆录中曾写道，他们在杭州艺专读书时期开国画课，由潘天寿授课，当时年轻不懂事，一到国画课就逃课，翻窗户就跑掉了。等到考试，就用墨涂了一片，交上去，潘天寿看到之后气得说不出话来。他到晚年回忆起来，深深地痛悔自己在中国画这方面年轻时候下的功夫不够。

　　国内很多水彩画家都是版画系毕业的，陈坚是在版画专业进修的，李晓林是版画系的教授，除此之外我们还可以举出一大批重要的水彩画家，都是版画专业出身。这就很奇怪了，为什么版画系的人整天刻板子，像这样刻板的人会喜欢灵动的水彩呢？他们为什么没有躲避水彩，没有觉得水彩不重要，为什么如此看中水彩画呢？所以我就在想，我们有什么理由去拒绝其他绘画的研究呢？

　　高手到高层次之后，功夫在画外，功夫在水彩外。高手较量的时候，比拼的是整体修养和艺术视野。如果你永远盯着眼前的那块小自留地，那么还没有跟高手过招，就胜败已见。艺术本身是一体的，今天美院的分系分专业是中国特有的现象，属于中华人民共和国成立以来美术的体制问题。但是在艺术方面，创作者不能画地为牢，故步自封。

　　画种的跨越和拓展是第一层拓展，第二层是综合文化的修养。当代艺术的发展，绝不仅仅是技巧的比拼。技巧非常重要，但它是一个入门级，到了更高的层级就需要更大的综合，所需要的能量要来自更多的地方。在这种情况下，画家要吸收能量，文化、历史、哲学的重要性就上升了。

　　我记得当年一位著名的西方音乐指挥家来中国，他的小提琴盒子里面永远带着一本老子的《道德经》。他反复在读，认为这是东方文化最精深的东西。我有一次给中央美院研究生院的博士生讲课的过程中问他们，读过《山海经》的举手。所有人面面相觑，没有一个人举手。然后我问知道《山海经》是什么吗？学生们回答说是个神话故事，知道其中夸父追日、后羿射日等故事。这些都是中国最古老的神话，但他们不知道《山海经》是中国古代最早的地理方面的一本书。“中国”这个概念最早就是在《山海经》里提出来的。我们对自己的文化，对自己的经典根本不了解。我又问学生《淮南子》读过没有？台下默然。《淮南子》是中国古代最早的天文书籍。过去说诸葛亮上知天文下知地理，这两本书，一本天文，一本地理，现在我们的博士生对这两本书却是一无所知。

　　在这种背景下我们的艺术作品如何能体现出文化和历史的沉淀呢？作品的含金量在哪里？营养价值在哪里？能给观者提供一些什么？只是满足视觉和眼睛刺激的，我们称之为视网膜艺术。艺术如果仅仅只是打动一个人的视网膜，也是令人震撼的，说明这个艺术作品有功效，但功效是有限的。真正的艺术是一种触及心灵的艺术，让人有一种莫名的感动，作品和观者之间会产生对话、交流。许多优秀的艺术作品，你看了以后实际上是说不出话来的，你和它对视仿佛是多年的老朋友重逢，相知相爱相亲。

　　现在的美术展览，一个展览几百幅作品，很多观众的参观过程就是散步，十多分钟一个展厅走完了。我参加过许多画展开幕，开幕式结束以后，留给嘉宾看画的时间不到半个小时，然后请上楼开研讨会。几个展厅的画，都没来得及看完，就要上楼去开研讨会。画家精心画了那么长时间，花了那么多功夫，我们用几秒钟扫一眼就过，我觉得这是对艺术极大的不尊重。

　　毕加索的《格尔尼卡》完成之后，他表示说只有当西班牙建立起民主政府的时候，《格尔尼卡》才可以回到自己祖国。佛朗哥死了以后，西班牙政府与保存这幅画的美国政府经过5年的谈判，1981年9月才将它隆重地运回了马德里索菲亚王妃美术馆。我在西班牙观看此画时碰到一个女孩跪在画前欣赏这幅画，看着看着就流泪了。那一瞬间我意识到观众跟画作的交流可以如此的深切和感动。我在英国国家画廊曾看到有的观众在画前一坐至少半个小时以上，这就是观众和绘画的对话和交流，以及在这个过程中体现出的对艺术的尊重。

　　第二点是题材的开拓。油画在民国时期刚传入的时候，当时的画家没别的东西画，就摆一个静物，或是画自己的老婆和孩子，再就是画风景，大概题材就是人体、静物、风景、肖像四大块。改革开放以后，我们一些很著名的油画家画的还是这些题材，画得很好，销量也不错，一画完就被人买走了。有一位画家和我讲，好画家在家里都没存画。我说，你将来办个展怎么办，你不能老是这样“卖儿卖女卖老婆”。

　　题材方面可以再考虑，再拓展，关注大家都觉得不起眼的题材。在语言方面，我们应该探讨怎么样去深化。前两天我们也讨论了构图问题还有没有进一步挖掘的可能性和深度。构图有三种思维：画前构图、画中构图、画后构图。

　　画前构图就是画前心里头酝酿的构图，所谓胸有成竹。画中的构图，就是说在绘画的过程中的“移山填海”。李可染先生过去带着学生出去写生，写生完了以后，学生围着看，感觉画得很面熟，画中景物好像在哪见过，但又找不到一模一样的取景对象。李先生就是用了腾挪大法，把这个地方的景物挪过来，那个地方再删掉，最后就是一个组合。虽然是写生，但画家又是非常主观地在构图。

　　而我们现在多半是瞄准一个景画下去，原封不动照搬。画家不是摄影家，摄影家没办法修改，但画家的画笔可以自由地构图。画后的构图是说作品完成后盯着看半天，到最后拿起刀裁了几刀。长安画派的康师尧、方济众当年画了一张丈二大的国画，天天盯着看，看了又看，裁了又裁，最后丈二裁成了四尺。他们把大画裁成小画，只保留最精彩的部分。我总结这叫画后构图。画家要敢下刀子，给自己的画大胆地“做整容”。

（作者：殷双喜，中央美术学院教授，《美术研究》杂志主编，中国文艺评论家协会理事）

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